Josefina Ayllón | L'appuntamento: curated by Giulia Gaibisso

 

As much as I love its interpreter, the title of this exhibition has nothing to do with Ornella Vanoni's song of the same name: it derives from an idea that came to me one night, while I was trying to summarise Josefina Ayllón's work in a few words, in the brevity of a catchy phrase.

It is never easy to trace an artistic career, especially when there are no canonical biographical references that can be easily identified: academic training (preferably abroad), a series of institutional and gallery exhibitions, and various awards and recognitions.

Josefina is a self-taught artist whose career has been in film and theatre. Since childhood, she has shown no interest in drawing. However, in her studio, the number of canvases organised on the shelves bears witness to constant practice, a daily exercise that seems to span an entire lifetime.

And indeed, her production spans approximately twenty years: one might say it is a perpetual preparation (which is, after all, the foundation of the exercise), metaphorically likened to an appointment.

Although it should not be seen as a milestone or, worse still, the crowning achievement of a career, this exhibition is in fact a meeting point: between the public and Ayllón's work, between the faces that make up the former and those depicted on the canvases, between different series and techniques. Experimentation with the latter and, more generally, with pictorial material, is at the heart of each work and, in this sense, the human figure, although omnipresent, appears almost as a pretext for arranging colour on the support and imagining its content.

Although they sometimes suggest representative types associated with specific pictorial genres, the subjects are mainly selected for their formal and chromatic potential. This is the case, for example, of the figure with raised hands, rendered in dark green and with a beard which, evoking similar Old Testament iconography, is actually used as an element of contrast with the rest of the composition. Or the cloaked figure, a “Camusian” portrait, covered by a heavy coat whose lapel breaks the unity of a livid face, crossed by white veins.

There is no psychological need for this extreme characterisation: on the contrary, it is interest in a profile, a forehead furrowed with wrinkles, a hairstyle or even a posture that determines the selection of the image and, consequently, the creation of the painting.

The same plastic-formal approach resonates, and finds a sort of justification, in the relationship that the artist establishes with colour and its materiality. Applied with a brush or by hand, the latter is treated as if it were clay: it creates reliefs, in some ways replacing the shadows normally rendered through chiaroscuro. It is no coincidence that Ayllón arrived at the second technique only after understanding the limitations of the first. With the brush, contact is mediated, the amalgam is unstable, pasty and undefined; with the fingers, on the other hand, form is drawn away from indeterminacy through rapid and decisive movement.

Two speeds seem to underlie his practice: a reflective attitude, almost shy and impersonal, and an instinctive, vital one.

The complete absence of autobiographical references in the subjects and their characterisation does not prevent his involvement in more concrete terms: the artist's body, equivalent to the body of the painting, joins the relational dynamic that always links the work, its creator and the public, and secretly participates in the exhibition.

 

Giulia Gaibisso

 

Per quanto ami la sua interprete, il titolo di questa mostra non ha nulla a che fare con l’omonimo brano di Ornella Vanoni: deriva da una suggestione emersa nel corso di una notte, mentre cercavo di riassumere il lavoro di Josefina Ayllón in poche parole, nella brevità di una frase a effetto.

Rendere conto di un percorso artistico non è mai semplice, ancor più se per farlo non si dispone di riferimenti biografici canonici, facilmente inquadrabili: una formazione in accademia (preferibilmente all’estero), una serie di mostre istituzionali e in galleria, premi o riconoscimenti di vario genere.

Josefina è un’artista autodidatta, il cui percorso si colloca in ambito cinematografico e teatrale. Non ha espresso, sin dall’infanzia, interesse per il disegno. Tuttavia, nel suo studio, il numero di tele organizzate nelle scaffalature testimonia di una pratica costante, un esercizio quotidiano che sembra coprire l’arco di una vita intera.

E in effetti la sua produzione si estende per circa venti anni: si direbbe una preparazione perpetua (che è poi il fondamento dell’esercizio), per l’occasione metaforicamente assimilata a un appuntamento.

Per quanto non debba intendersi come un traguardo o, peggio ancora, un coronamento di carriera, questa mostra equivale di fatto a un incontro: tra il pubblico e il lavoro di Ayllón, tra i volti che compongono il primo e quelli rappresentati sulle tele, tra serie e tecniche differenti. La sperimentazione con queste ultime e, più in generale, con la materia pittorica, sono poste a principio di ogni opera e in questo senso la figura umana, pure onnipresente, si profila quasi come pretesto per disporre il colore sul supporto e immaginarne il contenuto.

Benché alle volte suggeriscano tipologie rappresentative associabili a specifici generi pittorici, i soggetti sono soprattutto selezionati per le loro potenzialità formali e cromatiche. È il caso, per esempio, della figura con le mani levate, resa in verde scuro e dotata di una barba che, rievocando analoghe iconografie veterotestamentarie, viene in realtà adoperata come elemento di contrasto rispetto al resto della composizione. Oppure di quella intabarrata, ritratto “camusiano”, coperta da un pesante cappotto il cui bavero spezza l’unità di un volto livido, attraversato da venature bianche.

In questa estrema caratterizzazione non vi è nessuna necessità psicologica: al contrario, è l’interesse per un profilo, una fronte solcata da rughe, una capigliatura o ancora una postura, a determinare la selezione dell’immagine e, di conseguenza, la realizzazione del quadro.

Lo stesso approccio plastico-formale risuona, e trova una sorta di giustificazione, nella relazione che l’artista istituisce con il colore e la sua materialità. Steso per mezzo del pennello o della mano, quest’ultimo viene trattato come fosse argilla: crea rilievi, per certi versi si sostituisce alle ombre normalmente rese tramite chiaroscuro. E non è un caso che Ayllón sia approdata alla seconda tecnica solo dopo aver compreso i limiti della prima. Con il pennello il contatto risulta mediato, l’amalgama è instabile, pastoso e indefinito; con le dita, invece, la forma è tratta via dall’indeterminatezza mediante un movimento rapido e deciso.
Due velocità sembrano così sottendere alla sua pratica: un atteggiamento riflessivo, si direbbe quasi schivo e impersonale, e uno istintivo, vitale.

La completa assenza di riferimenti autobiografici nei soggetti e nella loro caratterizzazione non impedisce d’altronde un suo coinvolgimento in termini più concreti: il corpo dell’artista, equivalendo al corpo della pittura, si unisce alla dinamica relazionale che sempre lega opera, suo artefice e pubblico, e partecipa segretamente all’appuntamento della mostra.

 

Giulia Gaibisso

 

For further press material please contact info@z2ogalleria.it.

 

INFO:

Josefina Ayllón | L'appuntamento
Opening: Friday, November 21, 2025 | 6–9 PM
November 21, 2025 → January 17, 2026
 z2o Project, Via Baccio Pontelli 16, 1st Floor – 00153 Rome
Opening hours: Tuesday to Saturday | 12-7 PM
T. +39 06 80073146 | info@z2ogalleria.it